Nom de l’auteur/autrice :La Chambre Noire - Théâtre

Adaptation de l’ouvrage éponyme rassemblant le dossier médical d’Aby Warburg et de ses écrits sur l’Art Texte et mise en scène de Raphaël Patout Assisté de Anne-Laure Sanchez Avec Pearl Manifold Costumes de Sigolène Petey Conseiller dramaturgique Bernard Bouteille Frieda Hecht, infirmière, est hantée par la vie d’un homme. Elle est traversée par ses paroles. Elle refait comme lors d’un rituel les gestes qui ont caractérisé sa vie. Elle retrace un chemin. Le chemin d’Aby Warburg, historien de l’art allemand, qui a été interné à la clinique psychiatrique Bellevue le 15 avril 1921. En 1918, suite à la première guerre mondiale et à son ignominie, Aby Warburg, historien de l’Art, est victime d’une crise de psychose aigüe: il croit être responsable de la défaite de l’Allemagne et menace les membres de sa famille avec un revolver. Condamné par le diagnostique de différents psychiatres, il est interné en 1921 à la clinique Bellevue. Tout le corps médical est formel, jamais il ne recouvrira la santé. Cependant, Aby Warburg a le sentiment que c’est son travail scientifique qui lui permettra de s’en sortir. Ainsi, il poursuivra ses recherches tout en bénéficiant en parallèle des soins administrés par le psychiatre Ludwig Binswanger. A partir de l’ensemble de la documentation qu’il a accumulé durant des années, il commencera à composer les planches de l’atlas Mnémosyne qui sera l’un des ouvrages majeurs (car révolutionnaire) de l’histoire de l’art. En effet, celui-ci cherche à décrire ce que son auteur appelle les formules du pathos. Il est composé de planches qui rassemblent des reproductions de tableaux, d’objets ou encore d’ornements issus d’époques et de civilisation différentes. Aby Warburg veut avoir une analyse transversale de l’histoire. Il rompt avec la méthodologie traditionnelle de sa science. En 1924, après avoir prononcé la célèbre conférence sur Le rituel du serpent devant les patients, il sera autorisé à quitter la clinique Bellevue. Le spectacle sera constitué à partir d’extraits du dossier médical d’Aby Warburg qui est composé de son journal d’internement et de la correspondance que celui-ci a entretenu avec sa famille, ses amis et ses psychiatres. Raphaël Patout « Ces textes offrent un témoignage poignant. […] Leur portée dépasse l’histoire, car ils permettent de poser une question fondamentale: Qu’est-ce que guérir? » Davide Stimilli Coproduction : La Chambre Noire-Théâtre (Lyon) et Le Festival de Caves (Besançon)

Avec Julie Tarnat, Charly Marty, Anaïs Mazan, Léopoldine Hummel, Pierre-François Doireau, Maxime Kerzanet, Mathieu Barché, Camille Roy et Valentine Basse Mise en scène de Raphaël Patout Assisté de Valentine Basse Scénographie et costume de Benjamen Moreau Assisté de Sigolène Petey Lorenzaccio d’Alfred de Musset est une grande pièce, de part sa taille bien évidemment (le texte intégral est rarement monté), mais surtout de part sa composition. Ceci n’est plus à démontrer. Elle est un labyrinthe dans lequel les destins d’une multitude de figures se croisent et s’entrecroisent dans la Florence du 15ème siècle, livrée à la tyrannie sanglante du Duc Alexandre. Au-delà du parcours particulier de Lorenzo de Médicis, c’est tout une société que l’auteur dépeint dans son poème. La ville de Florence n’est pas une toile de fond. Elle est le personnage principal du drame. Que ce soit Lorenzo, le républicain Philippe Strozzi, la marquise de Cibo, ou encore le peintre Tebaldeo, chaque personnage se débat entre une Florence illustre rêvée et la réalité de celle-ci. Chacun à sa manière est un symptôme de l’affaissement moral et du désespoir qui règnent dans les rues et les recoins de la cité. Lorenzaccio est à proprement parler, une fresque qui rend manifeste la paralysie d’une société qui ne croit plus en son destin, et mêle avec habileté tragédie collective et drame personnel. L’idéalisme de Lorenzo est séduisant et l’on est touché d’emblée par son rêve de pureté et son désir inconsolable de justice. On a le sentiment de voir un être figé dans l’adolescence, découvrant avec naïveté la corruption et les rapports d’intérêts régnant parmi les hommes. Cependant, c’est le Lorenzo adulte qui m’intéresse aujourd’hui. Tout au long de son parcours, il témoigne d’une lucidité aiguë sur lui-même et sur le monde, donnant lieu à des sentences sublimes. C’est cette lucidité qui me semble la plus troublante. Bien que son idéal républicain soit gorgé de vertu, justifie-t-il le crime et le meurtre d’Alexandre? Justifie-t-il le fait qu’il se soit roulé dans la débauche pour parvenir à ses fins, lui valant le surnom péjoratif de Lorenzaccio,? La fin justifie-t-elle les moyens? Dans ses actions et dans sa langue, Lorenzo fait preuve d’un lyrisme désarmant pour notre époque. Tout relève chez lui d’un intérêt supérieur à son existence personnelle. Lorenzo est une sorte de kamikaze. C’est sa langue terroriste que je désire faire entendre. Par ses mots, il capte l’humanité dans ce qu’elle a de plus élevé, mais aussi dans ce qu’elle de plus désespérant. En permanence, il rend manifeste comment les idéaux collectifs sont faibles face aux intérêts particuliers. Sa misanthropie et sa folie ne sont pas le fruit de je ne sais quel dérèglement psychique ou physiologique, mais bien les conclusions d’une démarche consciente et raisonnée. Comme Lorenzo l’affirme lui-même, en tuant le duc et en s’adonnant au crime, il veut que le carnaval florentin cesse et que les hommes comparaissent devant le tribunal de sa volonté. Pour finir, Acte 3 Scène 3, une phrase de Lorenzo résonne pour moi de manière très mystérieuse: « J’aurais pleuré avec la première femme que j’ai aimé si elle ne s’était mise à rire. » Lorenzo ne serait-il pas un Dante sans l’Amour, sans une Béatrice pour guider ses pas jusqu’au septième ciel à travers la Divine Comédie?     Coproduction : Festival des Nuits de Joux (Pontarlier) et La Chambre Noire – Théâtre (Lyon).

D’après La Vénus à la fourrure et l’oeuvre de Léopold von Sacher-Masoch Adaptation et mise en scène de Raphaël Patout Avec Pearl Manifold et Pierre-François Doireau Séverin est un esthète. Peintre et philosophe en dilettante tel qu’il le revendique lui-même, il est éperdument amoureux d’une sculpture de Vénus exposée dans un jardin aux lueurs de la lune. Une nuit lors de l’une de ces errances, il voit sur un banc Madame Wanda de Dunajew, étrange incarnation de sa nymphe de pierre. S’ouvre alors une conversation courtoise et raffinée, agrémentée d’histoire de l’Art et de philosophie. Ce sont pour Séverin des moments exquis. Il est fou de désir. Porté par la puissance de celui-ci, il décide un jour de faire don de sa vie à sa Déesse. Il veut devenir son esclave. Il lui propose de signer un contrat par lequel il sacrifie tout dès que la jeune femme est habillée d’une fourrure. Effrayée, elle refuse. Séverin ne s’imagine plus vivre autrement. Il faut absolument qu’il l’éduque, elle doit céder. Il faut absolument qu’il s’insinue en-elle afin qu’elle acquiert le regard, la froideur, la cruauté et l’arbitraire de la toute puissance, et qu’ainsi, elle devienne souveraine absolu de la vie de Séverin. Au fil des jours, un jeu s’organise entre eux, ou plus exactement un rituel par lequel le jeune homme perd délibérément toute autonomie, toute dignité et humanité. Quel rêve poursuit Séverin? Quelle ambition le travaille si intensément qu’il se soumette à ce genre de pratique extrême?     « Je meurs de honte et de désespoir. Et le plus ignominieux est que je ressens une sorte de plaisir fantastique et suprasensuel dans cette situation pitoyable, livré au fouet d’Apollon et bafoué par le rite cruel de ma Venus. » – Léopold von Sacher-Masoch Production: Festival de Caves (Besançon)

De Georg Büchner Mise en scène de Raphaël Patout Scénographie et costumes de Benjamen Moreau Avec Pierre-François Doireau, Charly Marty, Léopoldine Hummel, Julie Tarnat, Anaïs Mazan, Julien Dérivaz, Camille Roy, Maxime Kerzanet, Mathieu Barché Farce aux allures de conte de fées, Léonce et Léna est la première pièce de Georg Büchner. Sa langue est truculente, drôle, et laisse transparaître la colère d’un jeune homme contre son époque. Léonce, prince du royaume de Popo, s’ennuie.  Face à son précepteur, il se  demande quel sens à sa vie, quel est son destin, pour quelle profession il est né. Un jour, un conseiller du Roi Pierre, son père, vient lui annoncer qu’il est promis en mariage à Léna, princesse du royaume de Pipi. Refusant ce projet, il décide de fuir le royaume et de devenir un vagabond, accompagné de son nouvel ami Valério, une sorte de poète philosophe alcoolique qu’il a rencontré par hasard. De son côté, Léna refuse de la même manière celui à qui elle est promise et qu’elle ne connaît pas. Tous deux errent donc à travers la forêt, en quête d’une vie bien à eux.  Léonce et Léna est une farce aux allures de conte de fées.  L’histoire est simple: une prince et une princesse sont promis l’un à l’autre. Ils refusent tous les deux leur destin en fuyant à travers la forêt. Georg Büchner s’amuse et nous amuse. Il utilise les clichés du conte et les pousse jusqu’au grotesque. La langue qu’il met dans la bouche de ses personnages est truculente: ludique, lucide, pleine d’inventions et de cruauté. Parodie du drame romantique et du théâtre baroque, Léonce et Léna est une débâcle de sentimentalité et une orgie de philosophie oiseuse. Que ce soit le Roi Pierre, Léonce, Valério ou Léna, chaque personnage est dans une quête d’absolu. Chacun cherche à se sentir vivant, dans une vie bien à lui. Chacun poursuit une forme d’exaltation, une ivresse, qu’elle soit amoureuse, alcoolique ou philosophique. A travers cette bouffonnerie, transparaît toute la colère d’un jeune homme envers son époque. Erudit, Georg Büchner est très acerbe contre ses contemporains. Pour lui, ces derniers sont gorgés d’un romantisme mou et nauséeux. En particulier, il est très critique envers les membres du gouvernement qui s’occupent en organisant des fêtes et des cérémonies, et en oublient le sens de leur fonction au détriment du peuple. Dans Léonce et Léna, il y a tous les plaisirs de la farce: la drôlerie mêlée à une critique acerbe. Il y a aussi la fougue d’un écrit de jeunesse. Cette pièce est la première de l’auteur. Sa créativité et son inventivité ne trouvent aucune limite. Sa langue est débridée. Production: Festival des Nuits de Joux

« Sans s’en douter,  Narcisse se désire lui-même ; il est l’amant et l’objet aimé, le but auquel s’adressent ses vœux ; les feux qu’il cherche à allumer sont en même temps ceux qui le brûlent. » – Ovide Texte et mise en scène de Raphaël Patout Avec Léopoldine Hummel et Pierre-François Doireau Costumes d’Angèle Mignot Plage d’Ostie. La nuit. Près de l’endroit où l’écrivain Pier Paolo Pasolini a été assassiné. Echo est endeuillée. Narcisse son amour, est mort. Elle n’a plus de voix à faire résonner. Elle est condamnée au silence. Silence intolérable! Désolée, elle lutte contre celui-ci, contre l’absence de son amour, et tente de retrouver sa voix propre. Peu à peu, recouvrant la parole, elle compose une élégie, un chant d’amour. Elle fait revenir Narcisse du néant. Le solo se transforme en duo, qui fait entendre une troisième voix invisible. Peut-être celle-ci permettra-t-elle à Echo et à Narcisse d’accéder à leur Salut? Le Salut de Narcisse est un poème d’amour. Il est une réécriture et une trahison  du mythe. Il tente de trouver le Salut intime et politique de la figure de Narcisse dans ce monde où il faut renier Dieu pour être entendu, dans notre Monde mécanique. Production: Festival de Caves